MARC CHAGALL, "LE ANIME MORTE" (1923-1927)

"Fin dalla mia prima giovinezza, quando cominciai a maneggiare la matita, ho cercato questo speciale qualcosa che potesse diffondersi come un grande fiume, verso rive straniere e seducenti. ....Quando avevo in mano una pietra litografica o una lastra di rame, credevo di toccare un talismano. In essa mi sembrava di poter riversare tutte le mie tristezze e tutte le mie gioie". Così scrive Marc Chagall nel 1922, allorché si appresta a stendere "La mia vita". Nello stesso anno l'artista abbandona la Russia ed il suo trasferimento a Parigi viene a coincidere infatti con l'avvio di un'intensa attività incisoria, che lo vede dedicarsi dapprima all'acquaforte, successivamente alla litografia. Fin dall'inizio egli non considera tale pratica come mero riflesso della pittura. Chagall avverte la specifica sensibilità di questa prassi espressiva assolutamente autonoma, di altissima dignità e pregiata raffinatezza. È un mezzo privato, una sorta di particolare intimità lega l'opera che va formandosi all'artista che vi si applica. Al tempo stesso lo affascina la possibilità di moltiplicazione dell'originale e di diffusione dell'opera. Mentre dal '48 in avanti subirà il fascino della litografia, risposta più consona all'orientamento della pittura di quegli anni, tra il 1924 ed il 1945 adotta, come mezzo espressivo d'elezione, l'acquaforte. Avverte urgente la necessità dell'"ostinatezza" della lastra di rame dalla quale originare alacremente una forma, una figura.

Un'occasione per concretizzare questa sua passione gli viene fornita dall'illuminato Ambroise Vollard. Quando ancora era a Berlino, Chagall era stato messo al corrente dall'amico Blaise Cendrars, che l'editore francese voleva conoscerlo. A Parigi vi fu l'incontro tra i due, durante il quale Vollard propose al pittore russo di illustrare "Le Anime Morte" di Gogol. Chagall è entusiasta e lavora alle lastre di rame dal '23 al '27, anche se le acqueforti avranno diffusione solo dal '48. Egli è immediatamente fagocitato da questa idea per più motivi. Il romanzo fornisce innanzitutto uno spaccato della Russia familiare all'artista. Imperniato sulle desolanti condizioni di civiltà di metà Ottocento del grande paese, "Le Anime Morte" rileva la squallida nullità che domina il mondo attraverso la descrizione dei viaggi di Cicikov, il misero e mediocre protagonista. Papini definì il romanzo un poema con la torma del viaggio, ma privo di alcuna meta, senza intenzioni morali, teso a rappresentare nella sua immediatezza lo scorrere della vita. Tema fondamentale è dunque quella «poslost'», termine russo dalle implicazioni molto vaste, ma che nella nostra lingua può corrispondere alla volgarità, segno di vacuità dell'animo, ritenuta da Gogol ancora più temibile dell'ingiustizia. Con lucidità, ma anche con rassegnazione, lo scrittore analizza le tortuosità vergognose e sordide della vita, dalle quali è impossibile uscire. Ne "I giocatori" Ikharev esclama: "Sto perdendo la testa... Com'è falso il mondo, solamente gli imbecilli sono felici in esso".

I personaggi sono cristallizzati, tutto concorre ad impedire la loro redenzione, la degenerazione spirituale vince sulla capacità di sviluppo delle qualità positive dell'uomo.

Il trasporto di Chagall è determinato da una descrizione schietta, lucida e commossa della sua terra "senza folklore e senza sentimentalismo, ma piena di una sua viva realtà umana, che gli ispirava le immagini per la versione poetica" (Meyer). Ma l'artista avverte la vicinanza col grande poeta, perché entrambi si servono del paradosso, della metafora, del fantastico, nel tentativo di rilevare l'essenza della vita russa. L'opera di Gogol respinge i limiti della realtà; egli percepisce i misteri dell'irrazionale tramite un linguaggio razionale. Ecco il parallelo con l'opera di Chagall, anch'essa mescolanza di sogno e realtà. Non ultima, a tale proposito, l'importanza dell'umorismo di tipo ebraico che, alla logica razionale preferisce l'istintività e l'immediatezza.

In tale occasione il pittore si rivela un illustratore fine ed attento, le sue immagini non mirano a corrodere il testo, ma a trasporto con esattezza e puntualità, pur senza ripeterlo pedissequamente. Chagall disegna la voce che legge. Con libero spirito grottesco, larvatamente viziato da una punta di amarezza, l'artista commenta le vicende di Cicikov, squallido e losco uomo senza scrupoli che acquistava a basso prezzo i servi della gleba morti ma non ancora depennati dai registri, per impiegarli successivamente. In questo corpus Chagall da sfogo ad un'esuberanza illustrativa di rara ricchezza. "Per un filosofo delle immagini, ogni pagina del libro di Chagall è un documento su cui è possibile studiare l'attività dell'immaginazione creatrice" commenta Gaston Bachelard. Svariate sono anche le strutturazioni delle immagini: alcune di esse, essenzialmente quelle iniziali, sono incentrate su descrizioni di eventi o località che implicano una narrazione più minuziosa ed un'osservazione più particolareggiata.

In esse si avverte la padronanza con la quale Chagall organizza il foglio, presumibile retaggio di scenografie teatrali, riscontrabili nelle soluzioni di tipo illusionistico, nella ricerca di profondità che travalica il piano del supporto cartaceo. Tuttavia ogni illustrazione gode di uno spazio appropriato, non governa sempre l'infinito come non domina continuamente la gabbia. Preminenza è comunque data alla figura, sia dispersa sulla pagina, sia più incombente, essa ha assoluta autorità sul suo negativo, ossia lo spazio che le fa da supporto. Pare che una simile padronanza dello sfondo possa essere derivata all'artista dallo studio della scrittura ebraica che tanto preciso ha il senso della pagina. Sovrana e captante dominatrice è l'estrosità dell'artefice. Creature vive e vivaci sono desunte da quel mondo favoloso della sua infanzia a Vitebsk, sorgente feconda, e discoperto nella memoria: un mondo "semplice ed eterno". Il vincolo del testo non e briglia sufficiente per bloccare l'intensità del lirismo pittorico chagalliano. Il ricordo delle icone russe è sicuramente valido quanto ineludibile sostegno alla creazione di un repertorio di rara ampiezza; le scene di genere, la scansione delle quinte paesaggistiche, i personaggi delineati come marionette, spirito grottesco che rimarca gesti e fisionomie. Una pulsante vitalità anima ogni scena, anche quella più malinconica, più amara, in un'osmosi continua tra realtà e fantasia. Strutture traballanti e librate, libere forme erranti, frutto di una florida inventiva da sempre formicolante, sono definite da un tratto sottile e delicato. Raramente la grafia si accentua od insiste in neri appesantiti tratteggi; si sofferma semmai in un fine intreccio di linee e punti. L'arditezza dei voli dell'inquieta pittura di Chagall è arginata da un tratto comunque mobile e vibrante, nervoso ma flessibile.

La vibratilità del segno non vuole scavare, ne mordere ma, sotto quella patina di apparente vaghezza, intende tutt'al più analizzare.

La padronanza dell'acquaforte e l'intuizione delle sue possibilità espressive sono tali da consentirgli continue invenzioni, soluzioni ardite e da garantirgli l'immediata rappresentazione sul foglio di un'idea. Intuizione formale ed istantaneità folgorante non si quotano mai nell'adempimento operativo. Nuove suggestioni subentrano a rafforzare gli impulsi creativi di quelle figure che suscitano continue emozioni ed inesaustamente le rinnovano. La linea non contorna ma sforbicia le sagome, quasi abbreviandole in fulminei segmenti. Tratti semplici, perfino infantili, concorrono a sottolineare un'opera grandiosa dall'acume guizzante e sapiente, dall'esito ridente e malinconico.

Paola Jori

Marc Chagall:

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Note Biografiche